1樓：匿名使用者
說話不要結巴，肢體語言要強烈，臺詞要背熟是最重要的
當代世界各國的演員技巧訓練由於訓練的指導思想不同而形成了多種多樣的訓練方法。除斯坦尼斯拉夫斯基體系教學法外，還有в.э.
梅耶荷德的有機造型術（亦譯為生物機能學）訓練法、е.б.瓦赫坦戈夫的綜合訓練法、美國薇俄拉·斯潑玲的即興戲劇表演訓練法、j.
格洛托夫斯基的排除法訓練法等。而世界各國的演員技巧訓練又是在相互影響下不斷髮展的，例如中國的話劇演員技巧訓練就吸取了斯坦尼斯拉夫斯基的訓練方法和歐美戲劇教學中的一些訓練方法，而歐美目前的訓練中則吸取了中國的京劇、日本的能劇和印度的卡塔卡利的演技訓練，甚至吸取了瑜珈術的訓練。
演員技巧訓練的目的是使學員經過學習和鍛鍊，能夠掌握完成創作任務，即創造出真實、準確、鮮明、生動的舞臺人物形象的方法。為此，首先要培養演員內外部創作素質。作為一個演員應該具有敏銳的觀察力，深刻的分析、理解力,持續而穩定的注意力,豐富而活躍的想象力,準確、鮮明的判斷力,靈敏、即興的適應力以及真摯的感受力和生動的模仿力。
同時還應具有信念與真實感、節奏感、形象感和體裁感。這些素質的培養與發展是貫串在整個訓練過程之中的。但是訓練開始時，一般都著重於從培養與發展演員的基本創作素質入手，經常運用各種型別的遊戲、即興練習、啞劇技巧、假面練習、動物模擬、人物模擬、人物形象小品和表演小品等方式來進行訓練。
與此相結合的是進行形體基本素質與呼吸發聲、吐字、正音以及語言基本技巧的訓練。
語言、發聲是戲劇演員從事舞臺表演專業活動的重要工具。舞臺上的語言、發聲不同於生活中的語言、發聲，其訓練要求清晰響亮具有傳送力，使觀眾聽清檯詞；還需要音質悅耳動聽富有感染力，既能給人以美的享受，又善於吸引觀眾產生感情上的共鳴。要學會語氣、語調處理，掌握臺詞的節奏和語言發聲造型的性格化技巧。
此外，演員的發聲器官須通過鍛鍊達到經久不疲，保持健康和活力，以勝任繁重的演出活動。訓練的內容大致有發聲姿態、呼吸方法、母音發聲、音素過渡、咬字肌力、共鳴位置、擴充套件音域、聲區連結、音量力度、聲音造型等。除了直接使用說的方法練習以外還廣泛利用一些歌唱練聲的方法，按照音階音程拉長字音練習發聲。
演員的形體也是塑造人物形象的工具。培養演員必須訓練其形體，使其能藝術地再現人物的體態儀表、舉止風度，進而準確地表達出人物的思想感情，創造出性格鮮明的藝術形象。訓練一般從話劇表演對形體動作的要求出發，既要基本接近生活狀態，又要區別於生活而具有舞臺感，受到舞臺的制約；既要有造型感，富有表現力,又不能有固定的程式,因而必須是具體的、鮮明的。
為此，演員的形體必須鬆弛靈活，協調自如，動作輪廓明晰，抑揚頓挫有致，感應機敏，可塑性強，既能傳情又能達意,並且善於捕捉和模擬各種人物的外部特徵,以適應扮演不同年齡、職業、性格的人物以及同一人物在不同時期性格上演變的需要。訓練一般從芭蕾、現代舞、民族民間舞蹈、體操、劍術、戲曲中選擇和借鑑一些訓練內容，根據各自情況而各有所側重和強調。
學習創造完整的舞臺人物形象的方法，是演員技巧訓練的最後階段。一般採用獨幕劇和多幕劇的排練，並在排練過程中講授必要的創作方法。在這一階段，學員要系統地學習分析劇本和角色的方法，學習如何進行角色的處理構思，並通過舞臺行動體現在舞臺上。
完整的舞臺人物形象的創造，最終是在與舞臺美術設計和舞臺各部門的工作人員的合作下，在觀眾面前完成的。因此，學習與舞美設計和舞臺各部門的合作，學會從觀眾的意見中不斷改進自己的創作，也是演員技巧訓練中不可忽視的內容。
中國話劇演員的技巧訓練有其自己的特點，它學習與借鑑斯坦尼斯拉夫斯基演劇體系和國外其他演員技巧訓練的方法，總結與吸收中國話劇表演藝術的實踐經驗和中國傳統戲曲表演藝術的美學觀、演技以及戲曲演員訓練方法中之精華，逐漸形成把思想、生活、技巧緊密結合在一起的演員技巧訓練法。國外強調從鬆弛入手，在訓練體制上比較注意表演、聲音、形體三位一體或表演、形體二位一體的綜合訓練。
2樓：山海軒
排話劇 要注意
1. 還要注意排程~~ 還記得我學表演那會經常疊臺~~ 算是初學者常犯的毛病 簡單的說就是在舞臺上人物與人物之間不要重疊在一起 之間都要要有空間感 還有就是在舞臺上一般都只發生一個矛盾衝突 所有人都圍繞這一個矛盾點來演
2. 最後重要的一點!!! 初學者尤其在沒有一個好的表演老師的指導下 最最容易產生的問題 假!!!
表演的虛假 大體說下 一般就是表演沒有真情實感只走表面 語言裝腔做調 動作譁眾取寵 尤其是在演一些很貼近生活的本子時 表演太假真的能讓觀眾笑死你 若何區分表演是否假 最簡單的一點就是把表演還原到生活中 想想生活中普遍有沒有這種事 有沒有這種人. 同時我們要想想自己是否真的投入了眼前所演的事 有沒有相信他!!!
但是~~~ 生活是生活 藝術是在生活只之上的 不要因為怕演的假就演的和平常生活中一模一樣 那樣就會使表演太過一般化 大忌
學習表演就好像抓一直麻雀握的太緊麻雀就要死 握的太鬆它就飛了~~~ 這個力道不是一是半晌可以學來的 要有一個漫長的積累過程
3. 道具服裝的話很多是可以在日常生活的物品中找到 一些特別的服裝可以去專門的藝術商店租借 一般藝術高校附近這樣的商店很多
4. 如果是在室內劇場的話 燈光,音效也要注意~~ 這個做好了不僅能讓演員更投入還能使觀眾不覺得單調等等
3樓：匿名使用者
樓上說的太專業了，這麼高的要求是我這個專業學話劇的人也做不到的。
在臺上最重要的一點是不要笑場，那就太不「專業」了。只要集中注意力這就不會發生。
然後要大聲說話，絕對不可以背臺，最好側面都少出現。
注意不要讓觀眾影響到你們自己，不要因你的同伴出了小錯影響到你。要專心的投入！
在同伴說錯話或做錯事時，千萬不要在舞臺上指責，要努力想辦法圓場。要幫助他，話劇不是誰自己一個人的舞臺，你們要合作，這很重要！
舞臺上不可以空場，銜接很重要，這裡有一個把握節奏的問題，（有點專業了） 就是舞臺上絕對不能空太久，除非特意設計的。
可以請多一些人來看看，幫你們提提意見，千萬不要怕修改！
要不厭其煩的一遍一遍反覆排練，就是排上半年，大家都對這個劇都熟到吐~在演出的時候也會出錯的。
加油~我支援你們的小劇！！！！
話劇表演需要注意什麼問題
4樓：赧含之柳芫
。。。很多...真聽，真看，真感受，最簡單的說，要走心，不要去演，在舞臺上生活起來，把握住話劇整體的表達效果
5樓：貫湛恩戈源
藝術源於現實，但是他同時也高於現實~~~~不知道你是什麼身份，我一般寫劇本是以一個大學生的角度去寫，關於我對我周圍的生活圈，我的家庭、朋友、學校、我所認識的、感知的社會~~~~寫出的是我心目中的這些事物~~~~同時，在這個過程中，我希望家庭、朋友、學校、社會是怎樣的~~~~需要時既是反映現實的，對於這樣的現實我的情感是憤怒、幸福、開心、失望、遺憾~~等等~~~
主要是要平時多注意觀察~~~~積累素材~~~~
一個劇本是一個編劇的情感的宣洩的載體~~~它能看出這個編劇的價值觀~~~~
話劇表演應該注意什麼
6樓：蒲扇子江山
我在劇社時，告訴導演要做到的
1. 先於演員遵守排練房紀律。
按時到場、劇本隨身、及時筆記、認真總結……這些是一個劇組能不能齣戲的前提吧，在學校裡做戲，導演不把自己的劇組帶起來，誰來帶？有情緒、有意見排練前都說清楚，對此導演和統籌要默契，能換的提前換，排一半跑掉那不是人乾的事。不思考角色，不練臺詞，只知道譁眾取寵的也趁早滾蛋。
2. 先於演員熟悉劇本，提出對角色的定位，對每段臺詞的要求。
又不是過家家，自演自樂。演小品還要摳詞呢，包袱能不能抖得響，可能就靠在一秒鐘、一個字上起了作用，更何況跟觀眾席隔著演話劇。都在說專業精神，說白了就是永不厭倦、永不滿足的態度。
導演可以說不好詞，但絕不能對詞沒感覺，不然你讓演員怎麼辦？比起人家那笑一下該露幾顆牙都要琢磨的相比，廣播劇社做戲對導演和演員已經夠寬容了。
3. 先於演員散發魅力
導演不能把所有協調工作交給統籌，畢竟這是做戲，劇組對導演的關注程度客觀存在著。人家那些前臺的、後臺的，就憑你一句「其實後臺工作更接近戲劇的本質」，便心甘情願地當苦力？不自欺欺人的講，如今劇社裡的孩子對舞臺的憧憬是遠大於對戲劇的熱愛的。
導演除了要知道這臺戲**是前奏，**是對比，**是落差，**是呼應，**是高潮，還必須想辦法讓其他職員們也能和演員一起high起來，至少讓人家也有參與感才是真的。演員可以偏安一隅暗爽，導演絕不能入戲就不出來了。
4. 先於演員想象出演出效果，先於演員發現表演上的問題
這個不用解釋，做不到這點，要你幹嗎？
5. 先於演員預想到如何維護一部戲的整體性
理由同4
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再看看這個吧，很有用《校園話劇導演手冊》
7樓：鮑二家的
簡單來說，表演要自然，又不能太生活。
臺詞首先需要熟練，不必完全按照劇本，差一兩個字但意思準確是允許的，但是在臺詞熟練的基礎上，一定要真正投入進去，不是背詞，而真實地在舞臺上和對手交流，語言要有起伏頓挫，像真的說話一樣。表示悄聲說，也不能像生活中那樣太小聲，而是在音調上調整，聲音低，給人悄聲的感覺，但是還是要讓觀眾聽清楚。
排程上，不要總是集中在舞臺一角，除非是要表示不同的空間分割。演員必須清楚大概在哪句臺詞的時候開始移動，然後需要移動到大概什麼位置上。兩個人就算對話，也不應該完全側面對觀眾，而是應該分別四十五度對觀眾，畢竟表演是給觀眾看的。
演員不應該有背臺說臺詞的情況，儘可能使用半側位，或者都面向觀眾的形式。
演員的眼睛不要看前排觀眾，應該儘量向遠處看，而且在說話時，眼睛中藥有心理視像，彷彿看到自己所表述的東西，不可以眼珠亂轉，否則觀眾一看就知道是在背詞。
不太詳細，你有什麼問題可以問。
祝你成功！
不要加太多硬體的東西，比如**，因為過多的**只會讓表演看起來不像話劇，而且顯得對話劇表演沒有信心。
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